Découvrez les délices des massages traditionnels …

Vous allez tout de suite devenir accro, parole de connaisseuse !

Un peu déprimée par ce long hiver, sombre, froid, pluvieux, j’ai décidé de me prendre en main :

Première résolution : prendre du bon temps dans un institut de massage

Condition : agréable et pas cher !

Et là, j’ai trouvé LA merveille de l’année : XIN-SHENG, au métro Bonne Nouvelle ! Une station qui porte bien son nom…

Dès l’entrée, vous allez voyager : paravents en bambou, odeur d’huiles essentielles et même des petits oiseaux gazouillant dans une cage dorée !

Une hôtesse asiatique vous emmène dans une des salles aménagées pour votre bien-être : vous traversez une enfilade de portes coulissantes en bambou, qui dépayse les parisiens que nous sommes.

Les salles se ressemblent toutes : estampes asiatiques accrochées au mur, lumière tamisée et musique orientale douce…Une fois installé sur votre table de massage, vous pouvez humer des essences de lavande, à vertu relaxante.

Et là, fermez les yeux et laissez-vous envahir par cette sensation de plénitude…

Les vingt minutes passent beaucoup trop vite à mon goût, et les hôtesses ont bien ri quand j’ai rappliqué dès le lendemain !!

Et oui, après avoir fait cette expérience, je suis devenue massage-addict, j’y vais toute les semaines et ça me fait du bien au corps et au moral !

En ce qui concerne les formules proposées, un éventail de choix pour se faire chouchouter.

A RETENIR :

Le massage chinois : 35 euros pour 1h

Le concept : massage par pression pour dénouer les contractions musculaires dues au sport ou au stress.

Le massage thaï : 40 euros pour 1h

Le concept : massage au pétrissage vigoureux inspiré du yoga pour libérer les émotions positives et négatives.

Pour ma part, j’ai choisi la formule très abordable du massage de la tête et du dos :

20 euros les 30 min…

J’ai même réussi à convaincre mon amoureux pour une séance dans une cabine pour couples !

Pour les mêmes prix, il est possible de partager ce moment avec votre Dom Juan, côte à côte, entre relaxation et fous rire.

Formule pour enlever toutes les tensions de couple : nous sommes ressortis tous les deux avec un sourire jusqu’aux oreilles !

On se retrouve là-bas, la semaine prochaine ?

Massage Traditionnel Xin-Sheng

56, rue du Faubourg Poissonnière

75010 Paris

www.massagetraditionnel-xin-sheng.com

01.42. 46. 10. 62

06. 28. 33. 29. 33

Ouvert de 10h à 22h, 7/7

Le musée du Louvre présente de grands chefs d’œuvre dans son exposition « Rivalités à Venise : Titien, Tintoret, Véronèse ».

Un détail a attiré mon attention : l’omniprésence de la femme dans les tableaux à Venise au XVIe !

La femme, être mystérieux aux multiples facettes :

La femme mise en danger

Sous le thème de Tarquin et Lucrèce, la rivalité de Titien et de son cadet Tintoret se fait sentir…

Qui sont Tarquin et Lucrèce ? Dans le mythe, Tarquin viole Lucrèce, qui se suicide ensuite… Histoire pas très joyeuse, mais quelle est l’interprétation des Maîtres italiens ?

TITIEN, Tarquin et Lucrèce, 1568-1571, huile sur toile, Cambridge

Ce qu’il faut retenir chez Titien, c’est la richesse des couleurs… Etoffes, bijoux sont traités avec précision et rappellent la sensualité de Lucrèce, femme nue dans un lit aux draps défaits.

Beauté s’allie ici avec violence : le jeu de regards entre l’agresseur et sa victime agit comme une tension, les gestes sont brutaux.

Remarquez cette troisième figure, derrière le rideau, qui regarde la scène. Sa présence déstabilise : il soulève le rideau, tel un voyeur qui regarde une scène interdite.

Et ce voyeur, c’est aussi nous, spectateurs face à la scène dévoilée sous nos yeux…

Quelle est la version du Tintoret ?

TINTORET, Tarquin et Lucrèce, 1580, huile sur toile, Chicago

Tintoret, dix ans après, nous dévoile une version bien plus agitée : la composition, les figures et les mouvements sont animés d’une violence sans pareil.

Sous l’agression de Tarquin, le lit à baldaquin s’effondre. Voyez ces sculptures à terre, signe de la destruction du lit. Ce détail de la sculpture, corps de pierre, s’oppose à Lucrèce, ce corps vivant désiré et violenté.

Tarquin, debout sur le lit, tire Lucrèce dans un élan de violence : au passage, les corps se tordent, les habits se déchirent, et le collier de perles de Lucrèce se casse…

Tintoret arrive avec talent à figer le mouvement des perles qui tombent à terre. Ouvrez vos yeux, admirez le détail au niveau du sexe de Lucrèce, objet tant convoité par Tarquin : une perle se situe juste devant, attirant notre regard vers le mont interdit…

La femme désirée

Autre mythe qui permet une comparaison Titien/ Tintoret : Danaé, cette femme qui se fait fécondée par Zeus, incarné sous la forme de pluie d’or.

Titien en établit deux versions en dix ans :

TITIEN, Danaé, 1544, huile sur toile, Naples

Dans la première version, Titien joue sur la sensualité de cette Danaé : l’éclat de la peau rend l’effet de chair et de vie propre aux corps chauds et désirés.

Zeus, figure masculine et fécondante, est incarné par une pluie d’or. Titien joue sur l’or, représentant des pièces de monnaie tombant du ciel. Ces pièces d’or tombent du ciel, pour aller directement entre les cuisses de Danaé, figurant l’étreinte amoureuse.

Et face à cette scène très intime, Cupidon regarde l’ébat : cette allégorie de l’amour est directement présente autour des deux amants.

Dans sa deuxième version, Titien remplace Cupidon par une servante :

TITIEN, Danaé, 1553, huile sur toile, Madrid

Cette vieille servante semble assez avare : son aspect repoussant s’oppose à la blancheur sensuelle de Danaé.

La pluie d’or est toujours matérialisée par des pièces, bien plus dorées que dans la première version. Titien joue sur un effet d’irradiation avec le contraste entre les couleurs dorées et le ciel assez sombre. La vieille ramasse ces pièces dans son tablier, véritable symbole de l’amour vénal de l’argent.

Et Tintoret dans tout ça ?

TINTORET, Danaé, 1580, huile sur toile, Lyon

Tintoret reprend l’invention de Titien : la pluie d’or est directement matérialisée par une effusion de pièces de monnaie.

L’amour vénal est porté à son comble : la servante qui recueille la monnaie est une maquerelle, qui récupère l’argent gagné par le corps de sa prostituée…

Quand le mythe est prétexte à une scène de genre érotique…

La femme regardée

Autre représentation de la femme sous le signe des jeux de regards :

TITIEN, Vénus au miroir, 1555, huile sur toile

Titien invente une version bien plus érotique d’un thème connu : sa Vénus est bien plus dénudée, laissant transparaître sa poitrine. Une certaine sensualité se dégage de ce corps nu.

Vénus se regarde dans une glace portée par des amours. Le reflet ne découvre pas la face cachée de la femme nue, mais seulement son œil, qui nous regarde directement : Vénus semble surprendre le regard indiscret du spectateur.

Nous ne la voyons pas, son visage dans la glace reste mystérieux : le spectateur, face à cette partie invisible de son corps, la désire encore plus. Désir n’est-il pas synonyme de mystère ?

Tintoret n’a pas représenté de Vénus au miroir, mais une Suzanne, peinte la même année que la Vénus de Titien. L’héroïne biblique ressemble à une Vénus au miroir.

Les jeux de regards, très subtils, sont mis en œuvre dans sa version :

TINTORET, Suzanne et les vieillards, 1555, huile sur toile

Suzanne devant un cours d’eau, se toilette, entourée d’objets sensuels et féminins : parfum, peigne, brosse, bijoux… Deux vieillards passant par là découvrent la scène et ne se privent pas pour la regarder à son insu. Le thème du regard est au centre de l’histoire biblique, mais aussi de la composition du Tintoret :

Suzanne est devant son miroir : premier jeu de regard.

Elle se contemple, mais nous ne voyons pas son reflet dans le miroir…. Seul son reflet dans l’eau est visible. L’eau est donc le deuxième miroir, où le miroitement est possible : second jeu de regard.

Par contre, un des deux vieillards profite de ce miroir pour regarder indirectement Suzanne… Troisième jeu de regard

Et l’autre vieillard regarde Suzanne. Son regard de voyeur est possible car il se cache derrière le parapet : Quatrième jeu de regard.

Enfin, cinquième jeu de regard : nous, spectateur, face à la scène.

Nous sommes ce troisième vieillard, ce voyeur qui possède la vision la plus sensuelle : Suzanne, sans le savoir, nous présente directement son sexe. Le spectateur est le privilégié : il est devant la vue la plus indiscrète de la scène…

Après tout ça… Faites vos jeux : Titien ou Tintoret ?

Takashi Murakami, ce nom vous dit quelque chose ? Réfléchissez bien…

Et oui, vous devez surtout connaître la collection Vuitton de cet artiste japonais

Personnellement, je ne suis pas trop fan…

Mais la galerie Emmanuel Perrotin nous présente un Murakami moins réputé : jusqu’au 17 octobre, les autoportraits de l’artiste sont exposés… Une vraie découverte pleine de couleurs !

Cette exposition, divisée sur deux espaces de la galerie, réunit dix-sept peintures, cinq sculptures et quatre films. 

L’art de  Murakami  joue sur la dualité : japonais influencé par la culture occidentale, il allie le style manga à celui de Warhol avec talent.

Preuve en images : une partie de l’exposition est consacrée aux autoportraits de Murakami.

 Il se met en scène sous les traits d’un personnage de manga, entouré de créatures fétiches :

Takashi MURAKAMI, With reverence. I lay myself before you. Kôrin, acrylique sur toile, 2009

Doté d’autodérision, Murakami ne retient de son physique que l’essentiel : queue de cheval, barbichette et grosses lunettes.

Il n’hésite pas non plus à se vieillir, dans des œuvres subversives :

Takashi MURAKAMI, Hiropon, Me, and My Lonesome Cowboy, acrylique sur toile, 2009

La légende, « Voici les marmonnements solitaires d’un vieil et gras artiste », nous rappelle tous à notre condition d’homme.

Murakami, nu et vieux au milieu, utilise son savoir au détriment de sa fertilité.

De part et d’autre, les jeunes hommes utilisent leur liquide séminal pour un jeu viril, la prise au lasso tandis que les jeunes femmes se servent du lait de l’allaitement pour jouer à la corde à sauter.
Toute une réflexion sur l’évolution de l’Homme et sa survie au fil du temps.

Et cet artiste existe aussi dans des œuvres plus psychédéliques et bariolées :

Ce triple autoportrait est représentatif de l’art de Murakami : entre la caricature et le manga, les différents visages de l’artiste se détachent sur un fond de fleurs colorées, vivantes et souriantes.

Et oui, Murakami s’interesse à l’humain, aux représentations des émotions et des différents visages. Son œuvre monumentale en est la preuve :

Les fameux personnages de Murakami sont colériques, peureux, dépités, essoufflés… Un condensé de sentiments sur une immense toile mesurant 300 par 608 cm !

Murakami est un japonais, et n’oublie pas ses origines : suivant l’art de l’estampe, il joue sur les vides et les pleins. La feuille de platine est  visible par endroit, alors que le moindre espace est rempli, coloré.

Face à cette œuvre, notre œil ne sait plus où aller. Une impression de mouvement et de folie se créée, et le spectateur pénètre dans l’univers hallucinant de Murakami.

Au-delà des autoportraits, les créatures qui accompagnent Murakami se situent entre l’animal, l’extraterrestre. Son monde est peuplé de personnages inspirés de la culture manga et kawaï, qui signifie mignon.

Une œuvre a retenu mon attention :

Takashi MURAKAMI, Planet of Ecology : The Earth, acrylique et feuille d’or sur toile, 350×444cm, 2009

Ce tableau, monumental, est magnifique par les matériaux utilisés : la feuille d’or auréole cet excrément, le situant dans la lignée d’un Dieu. Œuvre provocatrice vantant le pouvoir de la Nature et de ses cycles.

Dans la deuxième partie de l’exposition, nous changeons littéralement de registre :

Murakami sort des chemins du manga pour s’aventurer vers une forme plus décorative et graphique.

Il réalise des tondos, des tableaux au format rond qui illustre l’art japonais de l’estampe : 

Takashi MURAKAMI, I Recall the Time when my feet lifted off the ground, Ever so slightly-Chrysantheum, acrylique et feuille d’or sur toile, 2009

Les fleurs se découpent sur des fonds à la feuille d’or ou de platine dans une tradition japonisante. C’est à travers le choix des couleurs pop qu’il rend directement hommage à Andy Warhol.

Ce qui est assez impressionnant, c’est de considérer ces œuvres dans les petits détails. Les fleurs se transforment en taches, jets de couleurs abstraits ou seule la peinture subsiste.

A travers l’art de Murakami, chacun se retrouve :
L’enfant est attiré par ces personnages ludiques, l’adolescent aime le côté psychédélique et subversif de ses toiles, et l’adulte rêve d’accrocher dans son salon ces magnifiques tondos ressemblant à de véritables bijoux floraux.

Retrouvez l’œil de Juliette la semaine prochaine

Qui ne connaît pas ce petit bonhomme qui a révolutionné l’art parisien au XIXe ?
Le musée de la publicité nous présente pourtant un Toulouse Lautrec moins célèbre, l’affichiste.

Sa production d’affiche est en effet limitée : 31 lithographies seulement !

Ses gravures sur pierre en couleur révolutionnent le regard sur l’art de l’affiche : ce support devient une véritable œuvre, et plus seulement une vulgaire affiche de publicité.

Mais pourquoi les affiches de Lautrec vont au-delà de la simple réclame ?

Tout d’abord, par sa signature : celle de Lautrec est reconnaissable parmi tant d’autres.

Ce monogramme s’inspire directement de l’art japonais : c’est le sigle présent sur les sabres, le « tsuba »,  et le « mon », ce motif en cercle représentant des armoiries.

Mais Lautrec est aussi un parisien, témoin de l’effervescente vie artistique de Montmartre.

Peintres, musiciens, écrivains fréquentent les cabarets au XIXe siècle. Lautrec, dans ses affiches, dépeint cet univers de musique et de décadence.

Petit aperçu :

Toulouse Lautrec, Le Moulin Rouge, lithographie, 1891

En parlant de décadence, sa première affiche est une commande du Moulin Rouge, le célèbre cabaret parisien. 

La silhouette noire au premier plan rappelle l’art de l’estampe japonaise.
C’est Valentin le désossé, connu pour ses danses déstructurées et ses contorsions.
Valentin le désossé, l’ancêtre du break dance ? 

En tous cas, il est le partenaire de La Goulue, avec sa robe blanche à froufrous.

Louise Weber, alias La Goulue, est la reine du quadrille de l’Elysée Montmartre, et danse aussi pour le Moulin rouge.

Lautrec s’intéresse au mouvement, à la musique, aux nuits folles passées dans ces cabarets… Il dresse aussi le portrait de Jane Avril, dite la Mélinite. 

Toulouse Lautrec, Jane Avril, lithographie, 1893

Cette danseuse de french cancan intéresse l’artiste pour ses tenues originales. Lautrec disait d’ailleurs qu’ « elle danse comme une orchidée en délire »… Et cette orchidée ne s’est pas fanée avec le temps !

Figée dans son heure de gloire par Lautrec, Jane Avril lève la jambe vers le ciel, sous le rythme de la contrebasse au premier plan.

L’art de Lautrec n’est pas figé, il est vivant, et nous avons la réelle impression d’entendre la musique du cabaret à nos oreilles.

A l’inverse, Lautrec s’est aussi passionné pour la laideur, comme l’attestent les portraits de May Milton, comparée à un bouledogue par ses contemporains !

 
Toulouse Lautrec, May Milton, lithographie, 1895

Cette rousse, assez laide, s’embellit sous la main de Lautrec, amoureux de toutes les femmes. Ses traits sont grossiers, mais son corps semble flotter dans cette chemise de nuit blanche.
Avec les yeux de Lautrec, le bouledogue se métamorphose en ange !
Plus que les cabarets, Lautrec fréquente aussi les maisons closes.

Petite anecdote assez rigolote : Lautrec vit dans les maisons closes, les prostituées étaient ses amies. Qualifié de « peintre des bordels » par certains envieux, Lautrec leur rétorque : « Bordel ! Ben quoi, bordel ! Nulle part je me sens chez moi. J’ai enfin trouvé des filles à ma taille ». Les filles de joie s’entichent de ce petit homme, seul et exclu de tous.

Toulouse Lautrec, Le Moulin Rouge, lithographie, 1891

Ce qui est intéressant dans la vision de Lautrec des prostituées, c’est sa faculté à observer ce qu’il voit. Il ne dénonce rien, ne juge pas : il est l’un des leurs, et peut les représenter dans leurs poses naturelles, entre deux venues de clients.

Mais n’oublions pas les hommes…

Lautrec ne représente pas seulement les femmes, il devient l’affichiste officiel du chanteur Aristide Bruant.     

Toulouse Lautrec, Aristide Bruant, lithographie, 1893

Et Lautrec ne retient que l’essentiel de la silhouette du poète de l’argot :
Chapeau, veste de velours noir et écharpe rouge, le cocktail visuel qui frappera l’esprit de tous.

En étant un artiste à part entière, Lautrec connaît les règles de la publicité.

Et les artistes contemporains ne cessent de lui rendre hommage : 

Uwe Loesch, Hommage à Toulouse Lautrec, lithographie, 2001

Ikko Tanaka, Hommage à Toulouse Lautrec, lithographie, 2001

A travers ces lithographies qui explosent de couleur, l’esprit de Lautrec se retrouve dans ces versions plus graphiques des cabarets.
L’univers de froufrous, de fête et de danse perdure au fil des siècles, merci Lautrec !

Retrouvez l’œil de Juliette la semaine prochaine ;) 

Les féministes vont être contentes… La nouvelle exposition de Beaubourg se consacre aux artistes-femmes du XXe siècle à nos jours !

200 artistes-femmes exposent 500 œuvres sur 8000 m2… Une exposition monumentale, quoi !

Plasticiennes, designers, photographes, architectes, vidéastes, cinéastes, performeuses… Toutes réunies pour une seule et même problématique :

Quel est l’impact des femmes dans l’art et la société ?

De multiples facettes de femmes sont présentées ici. En voici quelques unes…

La femme mariée :

NIKI DE SAINT PHALLE, La mariée ou Eva Maria, 1963, grillage, plâtre, dentelle, jouets peints

« La mariée, c’est une espèce de déguisement« , Nicki de St Phalle.

Et ce déguisement fait peur ! La mariée devient une vision cauchemardesque : sa robe est constituée d’un fourmillement de bras et jambes de poupées, comme si la mariée portait en elle l’enfant. Le cycle de vie rejoint celui de la mort, ces bébés miniatures semblent enterrés sur la robe elle-même.

La femme sexuelle :

Quand les femmes parlent des femmes, ça peut être très cru ! Constatez plutôt par vous-même :

BETTY TOMPKINS, Fuck painting, 1969, peinture acrylique sur toile

Betty Tompkins avoue, à propos de ses peintures : « Ce que j’aime avec ce type d’images, c’est que tout le monde fait l’amour d’une façon ou d’une autre, mais que nous ne voyons jamais faire« …

Le sexe, étrange phénomène entre attirance et répulsion !

Autre vision d’une artiste qui, comme nos grand-mères, s’adonne à l’art de la couture :

GHADA AMER, Big pink, 2002, peinture acrylique, broderie

Ce qui diffère par rapport à nos mamies, c’est que Ghada Amer coud…des scènes érotiques !

De loin, nous sommes devant un enchevêtrement de fils, mais de près se dévoilent des femmes nues qui jouissent ou se touchent ! Par des points de couture, l’artiste relie les femmes entre elles.

Détail édifiant :

Ghada Amer veut nous montrer la double soumission de la femme : celle qui coud, et celle qui coud sa propre image déformée de femme-objet pour plaire aux hommes. La technique de la couture est poussée à l’extrême pour un discours féministe.

La femme militante :

L’artiste-femme peut être engagée en politique, comme nous le prouvent les photographies de Shirin Neshat :

SHIRIN NESHAT, Untitled, 1999

« On peut étudier la culture en étudiant les femmes : la manière dont elles s’habillent, et notamment l’obligation de porter le tchador« , Shirin Neshat.

Ou comment la femme marque l’histoire de ce siècle.

La célèbre Gina Pane s’est aussi adonnée à des formes d’art pour critiquer le système.

Ses photographies dévoilent ses propres performances, insérant son propre corps dans l’Histoire !

GINA PANE, Escalade non-anesthésiée, 1971, acier doux, métal

Gina Pane escalade ici une échelle en métal hérissée de pointes métalliques… Inutile de vous dire que ses mains et pieds sont dans le même état que les stigmates du Christ lui-même !

Cette escalade mettant son corps en péril est une double métaphore : celle de l’expression « gravir les échelons« , mais aussi le symbole de l’escalade américaine au Vietnam.

La femme média :

Approchez, Messieurs ! Venez voir la fameuse Orlan-corps, ce distributeur automatique de baiser !

ORLAN, Orlan-corps, le baiser de l’artiste, 1977

C’est dans un dispositif provoquant qu’Orlan se met elle-même en scène. Il faut insérer 5 francs dans la fente pour un baiser de l’artiste, et la pièce retombe… entre ses jambes !

Un moyen pour évoquer la position de la femme en tant qu’objet.  Et comme dirait Orlan, c’est « une œuvre conceptuelle à la portée de toutes les bourses« … Avec Orlan, le musée est accessible à tous, et surtout aux hommes !

Autre version de la femme-média : celle de Sanja Tvekovic :

SANJA TVEKOVIC, Diary, 1976, photographie, coton, traces de maquillage

Vous avez ici d’un côté, la femme médiatisée, bien coiffée, bien maquillée, et de l’autre, ce que l’on peut découvrir derrière les apparences : des cotons usagés, une immondice de saleté qui déconstruit le rêve des médias…

Dans le même esprit, admirez cette femme :

VALERIE BELIN, Sans titre, 2003, photographie

Messieurs, cette femme semble à votre goût ?

Ne vous y fiez pas : elle n’est pas réelle ! Valérie Belin prend en photo des mannequins plus vrais que nature. Le grain de la peau, l’humidité des yeux, tout y est, et pourtant, cette réalité est virtuelle ! Et oui, les apparences peuvent être très trompeuses, attention à ne pas s’y méprendre !

Et pour finir, une citation de l’écrivain Virginia Woolf : « Les femmes ont pendant des siècles servi aux hommes de miroirs« .

Alors, qui ose encore demander  Où sont les femmes ? …

A Beaubourg, en tous cas, elles sont partout !

Retrouvez l’œil de Juliette la semaine prochaine ;)

Et oui, il y en a qui ont de la chance…  Le week end dernier, mon ami m’a fait la surprise de m’inviter à  Anvers…  Et comme je pense à vous, voici rien que pour vous un petit road trip des musées d’Anvers :

En sortant de la gare, courez directement vers la cathédrale. Bonne surprise : jusqu’au mois de novembre 2009, une exposition sur Rubens, un des peintres flamands le plus important du XVIe !
Mais avant de se précipiter devant les tableaux, n’oubliez pas d’admirer l’architecture extérieure de la cathédrale :

« Pour paraître naturelle, la beauté n’en est pas moins fabriquée »

Le musée de Cluny rend hommage au célèbre dicton  »il faut souffrir pour être belle« …

En tous cas, sans souffrir, il faut du temps et de la patience… Et c’était déjà le cas à l’Antiquité et au Moyen-âge !

Le musée de Cluny, pour son exposition Le Bain Et Le Miroir, rappelle les gestes intemporels et universels de la femme : le même cérémonial s’opère à travers les siècles, se déshabiller, laver ses cheveux, se parfumer, s’habiller, se coiffer…
La quête de la beauté est présentée ici à travers le thème de la toilette et de la cosmétique.

Allez-y vite et admirez les nombreux objets, témoignages du rituel féminin :
boîtes à fards, vases à parfum, peignes, miroirs, des objets précieux et ordinaires mais aussi des petits outils de propreté sont présentés au fur et à mesure de l’exposition.

Une œuvre a retenu mon attention :

Anonyme, Dame à sa toilette, huile sur toile, XVIIe, musée du Louvre, Paris

Que fait cette femme ? Qui est-elle ? Pourquoi entrer dans son quotidien et sa toilette intime ?

Nous sommes toutes cette femme qui se regarde à travers un miroir, et choisit les bijoux qu’elle va porter. Scène intemporelle, gestes sans âge qui nous rapprochent des femmes du XVIe siècle.

Les détails de ce tableau sont nombreux : soyez sensibles à la scène intime à l’arrière plan…
Une domestique prépare le bain en versant les parfums dans l’eau tandis que la femme, au premier plan, se regarde dans le miroir.
Quel remarquable jeu de reflet avec le miroir, emblème de la coquetterie féminine du Moyen-âge jusqu’à aujourd’hui ! Le miroir est prétexte à un double portrait de cette femme, révélant ses deux profils en même temps.
Corps dans sa matérialité qu’il faut laver, brosser, parfumer, mais aussi corps dans tout ce qu’il y a de plus sacré.
Cette femme illustre la coquetterie d’une culture de luxe. Admirez cette noble coiffure, les pierreries scintillantes sur son cou, et sa boîte à bijoux, enfermant de nombreux trésors qui scintillent à vue d’œil.
Et les roses, posées nonchalamment au premier plan ne sont pas là par hasard ! Symbole de pureté à la Renaissance, cette fleur est directement associée au corps pur, blanc et vierge de cette femme qui s’apprête.

Et pour le plaisir des yeux, quelques autres exemples de Dame à sa toilette à travers les siècles…

La dame à sa toilette (détail), Ecole de Fontainebleau vers 1560, musée des Beaux-arts, Dijon

En Hollande au XVIIe siècle, la domestique est toujours là, le miroir est vu de dos, concept assez original interdisant au spectateur de voir le reflet de la femme.

Jean-Auguste Dominique Ingres, Le Bain, 1808, huile sur toile, 146 x 97 cm, musée du Louvre, Paris

Le célèbre Bain d’Ingres est novateur et un brin audacieux : la femme nous tourne le dos, elle est concentrée sur sa toilette et nous interdit de voir son corps et son visage.

Roy Lichtenstein, Woman in bath, 1963

Plus récente, la version de Roy Lichtenstein s’intéresse à la femme non pas assise à sa table de toilette mais directement dans son bain. Elle sourit et malaxe son éponge en nous regardant directement, comme pour nous inviter à faire comme elle.

Personnellement, je suis plus boules de bain et huiles essentielles qu’éponge !
Et en parlant d’invitation, je me verrai plus rejoindre ce type de bel apollon dans son bain :

Et oui, l’art du bain a parfois du bon !

Retrouvez l’œil de Juliette la semaine prochaine…

Que voyez-vous ? Et oui. Cela vous fait rougir ?

Nous sommes bien devant un torse de femme, qui se transforme d’un autre coup d’œil en visage !

Voici un exemple de ce qu’on pouvait rencontrer à la fameuse exposition du Grand Palais, Une image peut en cacher une autre.

J’ai choisi de m’arrêter sur cette œuvre de Magritte, Le Viol, de 1934.
Pourquoi ? Simplement parce que nous voyons ici un bel exemple du talent surréaliste et du fameux questionnement sur le corps et le visage de la femme, muse de tous les artistes.

Point intéressant : après Magritte qui transforme un torse en visage, l’œuvre plus récente d’Annette Messager utilise un procédé inverse.
Elle dessine un corps dans un visage, où les dents du crâne deviennent les froufrous d’une robe.

Crâne avec danseuse, Annette Messager, huile sur toile

Arrêtons-nous quelques instants sur ces deux œuvres…

La nature joue sur les formes, et l’art aussi : Qui n’a jamais reconnu un visage ou un animal en rêvant devant les nuages ?

L’intérêt de ces deux œuvres est l’ambiguïté du point de vue, un double regard offrant plusieurs interprétations possibles.

Deux tableaux, deux artistes et deux époques pour un seul et même thème : le mystère de la femme révélé dans l’image.

Face à l’œuvre de Magritte, une hésitation :
Sommes-nous devant un visage incarnant la grâce ou un corps illustrant la sensualité ?
Ces deux yeux qui nous fixent nous mettent mal à l’aise : nous sommes dans une position délicate, où la nudité est révélée sans tabou… Cette bouche souriante est le sexe de la femme, l’origine du monde et la clef du mystère féminin.
Le titre aussi nous met mal à l’aise : qui viole qui ?
Une double image pour un discours qui nous fait réfléchir : sommes-nous en train de violer l’intimité ultime d’une femme inconnue ?
Deux mots pour qualifier l’art de Magritte : sensuel et provocant…

Avec Annette Messager, la femme elle-même se met en scène :
Le crâne devient silhouette, inscrivant cette œuvre dans l’imaginaire de la métamorphose.
Le thème de la mort est associé à cette danseuse.
Effet de surprise : selon notre regard, la femme est absente et présente, propos fort pour l’artiste qui s’intéresse au statut de la femme et à l’imaginaire du fantasme.

Et comme dirait Ben, l’artiste connu de tous les français…

… De quoi nous faire réfléchir !

Retrouvez l’oeil de Juliette la semaine prochaine

Envie d’évasion ?
Direction le musée de Beaubourg où se tient l’exposition consacrée à Alexander Calder, peintre et sculpteur d’origine américaine.

Le visiteur entre dans le monde ludique de Calder au fur et à mesure des salles : mobiles, cirque miniature, figures articulées et sculptures en fil de fer constituent son monde.

Arrêtons-nous sur une œuvre qui nous plonge dans un univers musical et onirique : les cinq Joséphine Baker, que Calder réalise à partir de 1927.

Au centre : Joséphine Baker, Calder, 1927-1928, fil d’acier, Centre Georges Pompidou, Paris

Qui ne connaît pas cette icône, à la fois chanteuse, danseuse et meneuse de revue américaine ?
Et oui, Joséphine Baker ne peut que marquer les esprits : femme libre et indépendante, elle est la première vedette noire qui a fait rêver femmes et hommes. Souvenons-nous de sa chanson J’ai deux amours…

Marqué par cette femme, Calder lui rend hommage à travers des fils d’acier.

Et son œuvre est réussie : les figures suspendues nous entraînent dans une folle danse aérienne, elles se balancent dans l’air au gré du souffle et semblent illustrer cette « danse sauvage » qui caractérisait Joséphine Baker.

Autres caractéristiques de cette femme ? Sa sensualité, que Calder arrive à nous dévoiler à travers l’acier… Un gros challenge qu’il entreprend ici !

Les attributs de la féminité se retrouvent dans son œuvre : fils de fer tordus en spirales obsédantes dessinent sur la silhouette filiforme la poitrine charnues et le ventre de la femme.

L’essence de la féminité se retrouve dans l’acier, le fer et les isolateurs électriques…Deux mondes opposés qui ne font plus qu’un.

Calder, amoureux des femmes et de l’art, ne pouvait pas mieux rendre hommage à la diva américaine.

Retrouvez l’oeil de Juliette la semaine prochaine

Et on reste, on bouge plus, enfin presque… d’ailleurs l’autre jour, avec Mlle Quincamp’ en rentrant du salon « Under le Louvre«  (bah oui, c’est qu’on en fait des choses mine de rien), on est tombées sur une manif’ pour Michael Jackson (sans transition, paf, ni vu ni connu, je passe du coq à l’âne !)

Bref, donc, Michael Jackson… perso j’ai jamais été une grande fan. Noonnnnn ! Hurlez pas ! Je sais, c’est dingue, mais c’est comme ça, il m’a toujours fait peur et reconnaissez quand même que sur la fin, bah …quand même quoi !

Et puis, on est passé de

normal (ce qui semble presque fou maintenant),

et de

franchement pas mal (ce qui semble carrément dingue),

pour aller jusqu’à

Là il fait peur ! Vraiment super Peur !!!

Bref quoi qu’il en soit, comme tout le monde, quand on m’a annoncé « il est mort », ça m’a fait un choc !
Et je crois qu’on a tous réagit, c’est tellement enorme, tellement fou !

Et justement pendant cette manif’ donc (ils étaient au moins 40, hein, une grosse manif’ quand même !), et bah le leader s’est jeté dans la fontaine ! Oui ! Et tout habillé, paf, comme ça, dans la fontaine des Tuileries ! Je sais, c’est vraiment dingue !?!

Enfin, plus sérieusement, ça a quand même été un évènement mondial et nous ne pouvions pas ne pas vous en parler (houlala ça fait beaucoup de « pas » et de « ne », non !?), et oui, c’est quand même le but : parler, communiquer, échanger…

D’ailleurs, nos intervenants de choc s’y sont mis eux aussi (et paf, je recommence, sans transition mais de l’âne au coq cette fois-ci !) ; vous avez déjà pu lire Reda (son première article est juste là) et bientôt vous découvrirez Juliette !

Mais en attendant, vous le savez, on est toujours là, et si vous avez des suggestions, des questions, des anecdotes, des commentaires, etc…

N’hésitez pas !
info@leboudoirdumarais.com