Parfois, la ressemblance est flagrante : Le Déluge de Nicolas Poussin est directement exposé à côté de la version qu’en fait Turner.

Nicolas POUSSIN, Le Déluge, huile sur toile, 1662

TURNER, Le Déluge, huile sur toile, 1805

Le thème est le même, mais les différences sont frappantes, autant dans la composition que dans la touche. Chez Poussin, tout est symétrique, alors que Turner nous offre une vision chaotique du sujet.

Autre jeu de différences :

Turner s’inspire de ses contemporains : Watteau n’est pas aimé à l’époque, et Turner lui emprunte les caractéristiques de ses compositions : fêtes galantes, tons doux, petit format…

Et pourtant, c’est l’œuvre de Turner qui va connaitre un franc succès !

WATTEAU, Les deux cousines, 1716, huile sur toile

TURNER, Ce que vous voudrez, 1822, huile sur toile

Et Turner et ses contemporains sont parfois en grande rivalité à la Royal Academy de Londres.

La règle du jeu : deux œuvres de deux artistes sont dévoilées l’une à côté de l’autre le jour du vernissage… Un bon moyen pour comparer deux artistes…

Turner et John Constable se sont essayés à cette rivalité avec leurs marines !

CONSTABLE, L’Inauguration du pont de Waterloo, 1832, huile sur toile

TURNER, La ville d’Utrecht, 1832, huile sur toile

Des deux œuvres, celle de Constable est plus riche, mais Turner ne se laisse pas abattre : en découvrant le tableau de son rival, il a directement peint sa bouée rouge devant les spectateurs abasourdis pendant le vernissage…accordant à son tableau une puissance colorée avec ce petit geste en plus !

Turner est le grand gagnant : « Les artistes redoutaient de loin leurs peintures accrochées à coté de celles de Turner et affirmaient que c’était aussi préjudiciable que le voisinage d’une fenêtre ouverte car les œuvres de Turner attiraient le regard dès qu’on entrait dans une salle » (George Dunlop Leslie)

Et oui, Turner rivalise avec les peintres, mais les surpasse :

Turner n’est pas seulement un peintre, c’est aussi un collectionneur réputé.

 Plusieurs artistes ont peint la Turner’s Gallery, pièce aux murs rouges où Turner sélectionne les œuvres qu’il préfère.

Le Grand Palais reproduit la Galerie de Turner à l’identique, nous faisant voyager au XIXe siècle !

George JONES, Intérieur de la Galerie de Turner, huile sur toile

Galerie de Turner, scénographie de l’exposition

Et n’oublions pas le Turner peintre qui surpasse tout le monde !

Avec ses séries sur Les tempêtes de neige, l’artiste plonge le spectateur au milieu des déluges.

TURNER, Tempête de neige, 1842, huile sur toile

Une légende affirme d’ailleurs que pour peindre une tempête, Turner s’accrochait au mât des bateaux. Un bon moyen pour le peintre de ressentir la fureur de la nature, et de la retranscrire dans ses tableaux !

Retrouvez l’œil de Juliette dans 2 semaines ;)

A la campagne, à part les marchés, le fromage de brebis et la confiture de cerise, il n’y a pas ces divines choses culturelles, que l’on trouve à Paris, vous savez, mais oui ohhhhh, les expositions de mode !

Très bon pour le cerveau, et la culture personnelle,
je vous propose de vous faire voyager quelques années en arrière pour (re)découvrir Yves Saint Laurent,
un designer extraordinaire à qui l’on doit les smokings pour femmes, les sahariennes et les cuissardes.
Aaaaaah MERCI Yves ;) On te revaudra ça !

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Allez pour vous les filles, et le plaisir de nos pupilles, quelques merveilles qui resteront gravées dans le temps…

1982 Robe de satin fuchsia brodée de jais et diamants

1992 Robe smoking de grain de poudre noir

2001 Robe fourreau de velours noir, nœud de satin « rose Paris »

Alors profitez-en, Yves se met à nu devant nous !

Exposition Yves Saint Laurent du 11 mars – 29 août  au Petit Palais
Avenue Winston Churchill – 75008 Paris – 01 53 43 40 00

Faites comme  moi, mettez vos plus beaux escarpins et allez voir le spectacle

Je suis sûre, on ne va pas le regretter !
(et croisez les doigts pour moi, que j’arrive à prendre des photos sans me faire prendre par le vigile comme à chaque fois ! )

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Le musée Maillol ouvre ses portes pour une exposition à ne pas manquer !
Le thème, « Vanités », présente l’histoire de la mort dans le monde de l’art, de Pompéi à aujourd’hui.

Le point fort de l’expo est la volonté de comparer les maîtres anciens aux artistes d’art contemporain.

Que se cache derrière ce terme de « Vanités » ?

Crânes, sabliers, bougies, fleurs fanées symbolisent le temps qui passe, la futilité des choses, de la matière et de l’homme face à la mort.
L’art reprend ces symboles, car l’homme est conscient du côté éphémère de la vie…
Le temps m’échappe et fuit comme disait le poète Lamartine.

Au XVe, les crânes n’étaient pas un sujet à part entière : ils étaient souvent présents dans les tableaux religieux pour faire réfléchir l’homme sur la mort associée à la religion :

Mantegna, Crucifixion, huile sur toile, XVe

Le crâne, dans les crucifixions, est discrètement posé sous la croix.

L’artiste plus moderne Paul Delvaux reprend cette image dans son absurde Ecce Homo :

Paul Delvaux, Ecce Homo, huile sur toile, 1957

Il reprend la figure du Christ crucifié mais de façon plus actuelle : le crâne prend toute son ampleur, les hommes deviennent squelettes, la lumière divine est transformée par des projecteurs.

Cette vision est angoissante, fantomatique, voire apocalyptique !

Dès le XVIIe, les artistes représentaient ces crânes, mais de façon profane.

Le crâne devient un objet posé sur une table, une nature morte :

Jacques LINARD, Vanité à la chandelle, peinture à l’huile, 1644

Picasso s’inspire de ces versions profanes pour une vision plus colorée de la nature morte :

Pablo PICASSO, Poireaux, crâne et pichet, huile sur toile, 1945

Dans une explosion de couleurs, la nature morte traditionnelle représentant des légumes se transforme en réflexion sur la mort chez Picasso.

Le crâne, au centre du tableau, est déconstruit, anguleux mais tout de même reconnaissable.

Et Andy Warhol reprend cette vision colorée de la mort mais semble bien plus obsédé : il ne garde de la nature morte que le crâne, dans ses séries intitulées Skull.

1960 est le début des « Années Sida », la mort est au cœur de l’art.

Andy WARHOL, Skull, peinture acrylique et sérigraphie sur toile, 1976

La différence avec les crânes des Anciens ? Ceux de Warhol sont colorés, et prennent de plus en plus d’importance : la présence de bougies ou de fleurs n’est plus nécessaire, seuls compte l’homme et son corps.

Dans l’art contemporain, les artistes sont de plus en plus obsédés par ce crâne, unique, qui nous regarde :

Cindy Sherman photographie la mort au travail en s’inspirant des tableaux anciens :

Cindy SHERMAN, photographie, 1992

Ses photographies, retravaillées, ressemblent à de véritables tableaux aux couleurs contrastées.

Le photographe Robert Mapplethorpe s’inspire aussi de l’héritage ancien :

Robert MAPPLETHORPE, Autoportrait, photographie, 1988

L’artiste se photographie en train de mourir, serrant sa canne à tête de mort.

Le crâne vivant mais bientôt mort, et le crâne mort nous regardent tous les deux, comme pour nous demander notre avis face au temps qui passe.

Cette photographie est directement inspirée du Caravage :

LE CARAVAGE, Saint François en méditation, huile sur toile, 1606

Mapplethorpe reprend le procédé du Caravage : saint François vivant regarde le crâne déjà mort et médite sur son sort.

Chez Mapplethorpe, l’homme ne regarde pas la mort, il nous regarde, défie le spectateur, en vie.

Crânes qui nous regardent…Vision déstabilisante de la mort qui nous prend à témoin !

D’autres artistes s’intéressent à ce thème de la mort qui nous regarde directement :

Annette MESSAGER, Gants-tête, gants et crayons de couleurs, 1999

En jouant sur les matières, Messager représente la mort dans une vision enfantine : de près, les crayons de couleurs sont des tâches informes, mais de loin, une tête de mort se forme sous nos yeux.

D’autres artistes jouent sur les matières pour figurer des crânes :

Le crâne de Damien Hirst est fait de diamants, une matière noble posant la mort comme quelque chose de rare et précieux.

Damien HIRST, For the Love of God, diamants, 2007

Le crane de Jan Fabre, à l’inverse, est fait en…véritables insectes morts !

Jan FABRE, L’animal de Dieu, crâne, ailes de coléoptères, bête empaillée, 2000

Rien de mieux que d’utiliser la mort elle-même pour la représenter !

Le rongeur, mort puis empaillé, est croqué par un véritable crâne, lui-même décoré par ces blattes sans vie !

Cet amas de scarabées déstabilise et dégoute le spectateur mais agit aussi comme un véritable bijou : admirez ces couleurs brillantes, dignes des couleurs d’un rare joyau.

Certains orfèvres utilisent la mort pour créer des bijoux.

Le musée en expose certains, comme des bagues, collier et boucles d’oreilles aux vanités : matières nobles et brillantes comme les diamants et l’ivoire sont, là encore, prétextes à une représentation de nos ossements.

Et autre œuvre assez originale : le théâtre d’ombre de Boltanski !

Christian BOLTANSKI, Théâtre d’ombre, cuivre, 2009

Visages angoissants et squelettes dansent au rythme de la lumière.

La matière est éphémère, c’est le message des artistes anciens.

Chez Boltanski, un nouveau message : l’ombre aussi est éphémère et représente bien la fugacité de la vie.

Mais ne vous découragez pas, cette exposition n’a rien de morbide, son leit-motiv est d’ailleurs inscrit dès l’entrée : « C’est la vie ! ».

Retrouvez l’œil de Juliette dans 2 semaines ;)

Qui ne connait pas les Playmobil ?

Je me rappelle petite que j’enviais le petit frère de Zhooey qui avait une collection énorme !

Et aujourd’hui leurs cote n’a pas baissé…

On peut trouver des Playmobil policiers, pompiers, plombiers, chevaliers, princesses…

Le Musée des Arts Décoratifs de Paris a choisit de leurs rendre hommage en retraçant leur parcours déjà vieux de plus de 30 ans…

Et nous on retrouve nos yeux d’enfants le temps d’une exposition !

Créée en 1974 par Hans Beck, cette figurine représente une nouvelle manière de jouer. Avant cette date, les figurines étaient le plus souvent en papier, en plomb, en aluminium ou métal peint, en plastique. Elles étaient surtout figées dans une attitude ou un mouvement, les pieds moulés dans un socle pour leur permettre de tenir debout. Soldats, cow-boys et Indiens, joueurs de foot, de rugby ou cyclistes incarnaient des univers essentiellement guerriers ou sportifs.

Les enfants d’alors organisaient leurs armées ou leurs équipes, imaginaient leurs combats ou leurs matchs et restituaient ainsi un moment de l’histoire.C’est pour trouver une alternative à la production du « Hula Hoop », dont les coûts de fabrication étaient devenus prohibitifs suite aux chocs pétroliers, qu’Horst Brandstätter, directeur de la société Geobra, s’entretient avec l’un de ses employés : il lui demande de réfléchir à un jouet à fabriquer en série, en injection plastique, peu volumineux et ainsi moins coûteux. Et c’est ainsi que naît l’idée de la figurine au visage rond, animé d’un sourire. Parfaitement adapté à la main de l’enfant, aux bras et aux jambes articulés, à la tête tournante, accompagné d’accessoires, le Playmobil devient interchangeable à volonté. « Les personnages sont pensés de manière à offrir des possibilités infinies d’histoires. Leurs traits et expressions sont neutres pour permettre aux enfants de choisir et d’imaginer le caractère et l’humeur de chaque personnage », explique l’inventeur. Et le fantastique pouvoir d’imagination des enfants fait la suite et leur permet de recréer un éventail infini de situations.

Le Centre Georges Pompidou nous présente des œuvres monumentales d’un artiste français de 90 ans : Pierre Soulages.

Sincèrement, avant de me rendre à Beaubourg, je m’étais dit : « c’est trop facile ces tableaux, tout est noir, je saurai le faire moi-même, quelle blague ! »
Et puis, je suis allée à Beaubourg, et j’ai compris : l’art de Soulages, il faut le voir en vrai !

Déjà, la scénographie est monumentale :

 En jouant sur des contrastes entre les œuvres noires de Soulages et le blanc du mobilier, la scénographie révèle véritablement les œuvres.

Soulages, « peintre du noir et de la lumière »

Avant de s’adonner aux monochromes monumentaux, Soulages a peint des idéogrammes, où déjà, le noir était à son avantage :

SOULAGES, Idéogrammes

 Et les idéogrammes tendent doucement vers des aplats de noir…

 
SOULAGES, Polyptique

 La période « Outrenoir » de Soulages se concentre peut être sur un pigment unique, le noir mais sur plusieurs matériaux : acrylique, pétrole, goudron…

 Noir strié, noir bandé, noir plus clair ou foncé… Il y a plusieurs variantes !

SOULAGES, Polyptique

 SOULAGES, Diptyque, 2008

L’art de Soulages est impressionnant, non pas pour le sujet représenté -le rien et le noir-, mais pour le travail de la forme, de la matière, de la couleur :

Il faut aimer ces œuvres pour leur matérialité…

 Et la peinture nous parle directement… Les croûtes d’acrylique sont en creux ou en relief, reflétant la lumière.
Il y a une dynamique de la peinture elle-même :

 
SOULAGES,  Peinture, 300 x 235 cm, 9 juillet 2000

 Quelque chose dans sa peinture nous happe : ce n’est pas le sujet qui est important dans le tableau, mais la révélation de la lumière sur le noir.

 
SOULAGES, Peinture, 2008

Le noir, cette couleur qui n’en est pas une, ne nous raconte rien : elle nous montre.
La lumière est révélée, elle est atténuée ou sublimée par la couleur.

A la question posée par un journaliste « Pourquoi le noir ? », Soulages répond ironiquement : « Parce que… ».

 … Et on nous dit que « broyer du noir » c’est négatif ?

Le musée du Louvre présente de grands chefs d’œuvre dans son exposition « Rivalités à Venise : Titien, Tintoret, Véronèse ».

Un détail a attiré mon attention : l’omniprésence de la femme dans les tableaux à Venise au XVIe !

La femme, être mystérieux aux multiples facettes :

La femme mise en danger

Sous le thème de Tarquin et Lucrèce, la rivalité de Titien et de son cadet Tintoret se fait sentir…

Qui sont Tarquin et Lucrèce ? Dans le mythe, Tarquin viole Lucrèce, qui se suicide ensuite… Histoire pas très joyeuse, mais quelle est l’interprétation des Maîtres italiens ?

TITIEN, Tarquin et Lucrèce, 1568-1571, huile sur toile, Cambridge

Ce qu’il faut retenir chez Titien, c’est la richesse des couleurs… Etoffes, bijoux sont traités avec précision et rappellent la sensualité de Lucrèce, femme nue dans un lit aux draps défaits.

Beauté s’allie ici avec violence : le jeu de regards entre l’agresseur et sa victime agit comme une tension, les gestes sont brutaux.

Remarquez cette troisième figure, derrière le rideau, qui regarde la scène. Sa présence déstabilise : il soulève le rideau, tel un voyeur qui regarde une scène interdite.

Et ce voyeur, c’est aussi nous, spectateurs face à la scène dévoilée sous nos yeux…

Quelle est la version du Tintoret ?

TINTORET, Tarquin et Lucrèce, 1580, huile sur toile, Chicago

Tintoret, dix ans après, nous dévoile une version bien plus agitée : la composition, les figures et les mouvements sont animés d’une violence sans pareil.

Sous l’agression de Tarquin, le lit à baldaquin s’effondre. Voyez ces sculptures à terre, signe de la destruction du lit. Ce détail de la sculpture, corps de pierre, s’oppose à Lucrèce, ce corps vivant désiré et violenté.

Tarquin, debout sur le lit, tire Lucrèce dans un élan de violence : au passage, les corps se tordent, les habits se déchirent, et le collier de perles de Lucrèce se casse…

Tintoret arrive avec talent à figer le mouvement des perles qui tombent à terre. Ouvrez vos yeux, admirez le détail au niveau du sexe de Lucrèce, objet tant convoité par Tarquin : une perle se situe juste devant, attirant notre regard vers le mont interdit…

La femme désirée

Autre mythe qui permet une comparaison Titien/ Tintoret : Danaé, cette femme qui se fait fécondée par Zeus, incarné sous la forme de pluie d’or.

Titien en établit deux versions en dix ans :

TITIEN, Danaé, 1544, huile sur toile, Naples

Dans la première version, Titien joue sur la sensualité de cette Danaé : l’éclat de la peau rend l’effet de chair et de vie propre aux corps chauds et désirés.

Zeus, figure masculine et fécondante, est incarné par une pluie d’or. Titien joue sur l’or, représentant des pièces de monnaie tombant du ciel. Ces pièces d’or tombent du ciel, pour aller directement entre les cuisses de Danaé, figurant l’étreinte amoureuse.

Et face à cette scène très intime, Cupidon regarde l’ébat : cette allégorie de l’amour est directement présente autour des deux amants.

Dans sa deuxième version, Titien remplace Cupidon par une servante :

TITIEN, Danaé, 1553, huile sur toile, Madrid

Cette vieille servante semble assez avare : son aspect repoussant s’oppose à la blancheur sensuelle de Danaé.

La pluie d’or est toujours matérialisée par des pièces, bien plus dorées que dans la première version. Titien joue sur un effet d’irradiation avec le contraste entre les couleurs dorées et le ciel assez sombre. La vieille ramasse ces pièces dans son tablier, véritable symbole de l’amour vénal de l’argent.

Et Tintoret dans tout ça ?

TINTORET, Danaé, 1580, huile sur toile, Lyon

Tintoret reprend l’invention de Titien : la pluie d’or est directement matérialisée par une effusion de pièces de monnaie.

L’amour vénal est porté à son comble : la servante qui recueille la monnaie est une maquerelle, qui récupère l’argent gagné par le corps de sa prostituée…

Quand le mythe est prétexte à une scène de genre érotique…

La femme regardée

Autre représentation de la femme sous le signe des jeux de regards :

TITIEN, Vénus au miroir, 1555, huile sur toile

Titien invente une version bien plus érotique d’un thème connu : sa Vénus est bien plus dénudée, laissant transparaître sa poitrine. Une certaine sensualité se dégage de ce corps nu.

Vénus se regarde dans une glace portée par des amours. Le reflet ne découvre pas la face cachée de la femme nue, mais seulement son œil, qui nous regarde directement : Vénus semble surprendre le regard indiscret du spectateur.

Nous ne la voyons pas, son visage dans la glace reste mystérieux : le spectateur, face à cette partie invisible de son corps, la désire encore plus. Désir n’est-il pas synonyme de mystère ?

Tintoret n’a pas représenté de Vénus au miroir, mais une Suzanne, peinte la même année que la Vénus de Titien. L’héroïne biblique ressemble à une Vénus au miroir.

Les jeux de regards, très subtils, sont mis en œuvre dans sa version :

TINTORET, Suzanne et les vieillards, 1555, huile sur toile

Suzanne devant un cours d’eau, se toilette, entourée d’objets sensuels et féminins : parfum, peigne, brosse, bijoux… Deux vieillards passant par là découvrent la scène et ne se privent pas pour la regarder à son insu. Le thème du regard est au centre de l’histoire biblique, mais aussi de la composition du Tintoret :

Suzanne est devant son miroir : premier jeu de regard.

Elle se contemple, mais nous ne voyons pas son reflet dans le miroir…. Seul son reflet dans l’eau est visible. L’eau est donc le deuxième miroir, où le miroitement est possible : second jeu de regard.

Par contre, un des deux vieillards profite de ce miroir pour regarder indirectement Suzanne… Troisième jeu de regard

Et l’autre vieillard regarde Suzanne. Son regard de voyeur est possible car il se cache derrière le parapet : Quatrième jeu de regard.

Enfin, cinquième jeu de regard : nous, spectateur, face à la scène.

Nous sommes ce troisième vieillard, ce voyeur qui possède la vision la plus sensuelle : Suzanne, sans le savoir, nous présente directement son sexe. Le spectateur est le privilégié : il est devant la vue la plus indiscrète de la scène…

Après tout ça… Faites vos jeux : Titien ou Tintoret ?

Amylee s’inspire des tendances du moment, nous raconte tout sur son blog et on adooore !!!

Au retour de son expo au jardin des créateurs je dois dire que toutes ces couleurs et ces motifs m’ont emerveillée !

Ce qu’elle en dit :

« Je m”inspire de motifs rétro, de tissus ou de papiers peints pour concevoir mes tableaux. Les compositions picturales mettent en scène des portraits exclusivement féminins.

Les motifs sont travaillés à partir de scans de tissus glanés au cours de shoppings. Certains motifs vont être appliqués par collages (généralement les petits motifs) et ainsi se mélanger au personnage central, composé de peinture acrylique et d’autres matières.

Après la première couche d’aplat de peinture, des reliefs de matières (gel, gesso, etc) vont être rajoutés sur les surfaces unies pour créer une trame graphique ton-sur-ton.  Le résultat saisissant apporte de la profondeur et de la brillance à l’ensemble.

Un joyeux cocktail créatif où la peinture acrylique claque sur la toile et devient résolument anti-déprime ! »

Retrouvez la sur son site et sur son blog ! 

PS : L’expo était extra merciii Amylee ! à toi et à ton ManagUer pour cette superbe soirée !!!

Vous me répondez :

« hahahaha, ouiii génial »

Et vous avez raison, enfin perso je suis super fan !

Elles ont du talent à revendre,  ne manquent pas d’humour,
et déssinent tout, leur vie, la notre, petits moments, folies, faiblesses… et plein histoires de filles !

Elles ont démarré sur le web et aujourd’hui on ne les présente plus !

Pénélope Bagieu et Margaux Motin ont d’ailleurs récemment toutes deux été editées…

Pénélope Bagieu

Margaux Motin

Et personnellement je dois dire que j’ai un enorme coup de coeur pour…

Mary Gribouille

qui vient de fêter les un an de son blog, héhé MEGA Bon Anniv’ au loup !!!!

& Mimi Stinguette

qui expose, justement du 16 au 25 octobre 2009 chez Berko
(boulangerie américaine, 3 rue Rambuteau PARIS 4ème) Allez la voir !!!

Elles sont vraiment extra !!!!
Et toutes les deux m’ont même déjà croquées…

Champagne !

Par Mimi Stinguette

Parfois je suis si blonde !

Par Mary Gribouille

Leurs blogs ont le don les uns comme les autres de me faire mourir de rire
et ce même quand n’ai plus de café et que l’eau chaude de mon appart a encore été coupée ! (Oui oui c’est du vécu !)

Avec elles, pas besoin de prozac, en trois minutes elles vous remontent instantanément le moral !!!

Le musée des Arts décoratifs expose de véritables bijoux de tissus jusqu’au 31 janvier 2010.
130 modèles réalisés par Madeleine Vionnet entre 1912 et 1939 trônent dans la section du musée de la Publicité.

Avant même de vous parler des robes, ces trésors de la couture, un petit mot sur la scénographie d’Andrée Putman :

La visite est vraiment belle : nous déambulons dans des couloirs de verre où les robes sont montrées et commentées par des écriteaux numériques.

Mais la grande trouvaille de Putman, c’est de magnifier les robes de Vionnet en insérant des miroirs dans la scénographie : les robes sont visibles sous plusieurs points de vue et se renvoient les unes aux autres avec ce jeu subtil de reflets !

Mais qui est Madeleine Vionnet ?

A travers ses robes, Vionnet nous conte l’histoire de la femme…

Robe en tulle de soie par Madeleine Vionnet, 1938

Elle laisse dialoguer tissus et corps dans des créations sensuelles, où le bien être de la femme est au centre de tout.

Libérée de son corset, la femme doit pouvoir bouger dans ses vêtements sans entrave.

Pour répondre à cette question, Madeleine Vionnet défie les incertitudes du flou, libère le tissu des coutures, des pinces et des boutons et libère aussi la femme de son carcan social.

Preuve en images :

Avec Vionnet, la mode n’est plus un art de la décoration, mais un art de la forme, de la structure et de la coupe.

Elle joue aussi sur les formes géométriques et les franges, transformant ainsi la silhouette et l’esthétique du corps féminin.

Robe du soir par Madeleine Vionnet, été 1937

Ensemble du soir par Madeleine Vionnet, été 1935

J’apprécie beaucoup le jeu de drapés et de matières chez cette « puriste de la mode ».

 Le vêtement se fait délicat et sensuel, il abrite, couvre et découvre.

Robe et cape du soir par Madeleine Vionnet, hiver 1937

Lourdes étoffes de tapisseries se mêlent à la dentelle fines et légères pour un puissant mélange de couleurs et de matières. Les dentelles sont délicates, féminines, aériennes !

Evening gown par Madeleine Vionnet, 1939

Vêtements qui voilent et qui dévoilent… Dentelles, mais aussi drapés.

Vionnet est d’ailleurs considérée comme une pionnière du drapé et du pli.

Grown par Madeleine Vionnet, 1938

Le drapé est tout un art : art de la coupe, de la forme et du mouvement.

L’art de Vionnet s’inspire de l’Antiquité, période charnière pour le drapé : les robes créées  ressemblent aux toges épurées, blanches, délicates des bas reliefs antiques.

Les nymphes antiques revivent sous l’aiguille de Vionnet : cette robe blanche ressemble étrangement à l’habit de la Gradiva, la nymphe sur le bas-relief de Pompéi :

Même traitement du drapé,  même jeu sur le pli, même désir d’épuration…

La nymphe est immortelle, elle marche, danse, parcourt les époques en revivant dans les créations de la puriste de la mode.

Vionnet s’inspire de l’Antiquité et le présent s’inspire de Vionnet…

Hier et aujourd’hui semblent confondus sous le signe de la mode :

Pour le jeu de drapés, Alaia fait survivre les nymphes antiques :

Yamamoto et Galliano sont aussi de grands créateurs prenant pour exemple Madeleine Vionnet : ils lui reprennent l’épuration des lignes, les formes structurées et les figures géométriques :

Madeleine Vionnet, ou quand l’art devient éternité.

Retrouvez l’œil de Juliette dans deux semaines

Takashi Murakami, ce nom vous dit quelque chose ? Réfléchissez bien…

Et oui, vous devez surtout connaître la collection Vuitton de cet artiste japonais

Personnellement, je ne suis pas trop fan…

Mais la galerie Emmanuel Perrotin nous présente un Murakami moins réputé : jusqu’au 17 octobre, les autoportraits de l’artiste sont exposés… Une vraie découverte pleine de couleurs !

Cette exposition, divisée sur deux espaces de la galerie, réunit dix-sept peintures, cinq sculptures et quatre films. 

L’art de  Murakami  joue sur la dualité : japonais influencé par la culture occidentale, il allie le style manga à celui de Warhol avec talent.

Preuve en images : une partie de l’exposition est consacrée aux autoportraits de Murakami.

 Il se met en scène sous les traits d’un personnage de manga, entouré de créatures fétiches :

Takashi MURAKAMI, With reverence. I lay myself before you. Kôrin, acrylique sur toile, 2009

Doté d’autodérision, Murakami ne retient de son physique que l’essentiel : queue de cheval, barbichette et grosses lunettes.

Il n’hésite pas non plus à se vieillir, dans des œuvres subversives :

Takashi MURAKAMI, Hiropon, Me, and My Lonesome Cowboy, acrylique sur toile, 2009

La légende, « Voici les marmonnements solitaires d’un vieil et gras artiste », nous rappelle tous à notre condition d’homme.

Murakami, nu et vieux au milieu, utilise son savoir au détriment de sa fertilité.

De part et d’autre, les jeunes hommes utilisent leur liquide séminal pour un jeu viril, la prise au lasso tandis que les jeunes femmes se servent du lait de l’allaitement pour jouer à la corde à sauter.
Toute une réflexion sur l’évolution de l’Homme et sa survie au fil du temps.

Et cet artiste existe aussi dans des œuvres plus psychédéliques et bariolées :

Ce triple autoportrait est représentatif de l’art de Murakami : entre la caricature et le manga, les différents visages de l’artiste se détachent sur un fond de fleurs colorées, vivantes et souriantes.

Et oui, Murakami s’interesse à l’humain, aux représentations des émotions et des différents visages. Son œuvre monumentale en est la preuve :

Les fameux personnages de Murakami sont colériques, peureux, dépités, essoufflés… Un condensé de sentiments sur une immense toile mesurant 300 par 608 cm !

Murakami est un japonais, et n’oublie pas ses origines : suivant l’art de l’estampe, il joue sur les vides et les pleins. La feuille de platine est  visible par endroit, alors que le moindre espace est rempli, coloré.

Face à cette œuvre, notre œil ne sait plus où aller. Une impression de mouvement et de folie se créée, et le spectateur pénètre dans l’univers hallucinant de Murakami.

Au-delà des autoportraits, les créatures qui accompagnent Murakami se situent entre l’animal, l’extraterrestre. Son monde est peuplé de personnages inspirés de la culture manga et kawaï, qui signifie mignon.

Une œuvre a retenu mon attention :

Takashi MURAKAMI, Planet of Ecology : The Earth, acrylique et feuille d’or sur toile, 350×444cm, 2009

Ce tableau, monumental, est magnifique par les matériaux utilisés : la feuille d’or auréole cet excrément, le situant dans la lignée d’un Dieu. Œuvre provocatrice vantant le pouvoir de la Nature et de ses cycles.

Dans la deuxième partie de l’exposition, nous changeons littéralement de registre :

Murakami sort des chemins du manga pour s’aventurer vers une forme plus décorative et graphique.

Il réalise des tondos, des tableaux au format rond qui illustre l’art japonais de l’estampe : 

Takashi MURAKAMI, I Recall the Time when my feet lifted off the ground, Ever so slightly-Chrysantheum, acrylique et feuille d’or sur toile, 2009

Les fleurs se découpent sur des fonds à la feuille d’or ou de platine dans une tradition japonisante. C’est à travers le choix des couleurs pop qu’il rend directement hommage à Andy Warhol.

Ce qui est assez impressionnant, c’est de considérer ces œuvres dans les petits détails. Les fleurs se transforment en taches, jets de couleurs abstraits ou seule la peinture subsiste.

A travers l’art de Murakami, chacun se retrouve :
L’enfant est attiré par ces personnages ludiques, l’adolescent aime le côté psychédélique et subversif de ses toiles, et l’adulte rêve d’accrocher dans son salon ces magnifiques tondos ressemblant à de véritables bijoux floraux.

Retrouvez l’œil de Juliette la semaine prochaine